APPRAISERS/Nombrar

Project(e) i(e)n reside(è)nci(y)a a(t)/en LA CASA ENCENDIDA/CA2M, Madrid.

Presentación 25 de Enero, 2018. La Casa Encendida. Con: Paulina Chamorro, Laura Ramírez, Ana Macdewont, Ángela Segovia, Uriel Fogué, Javi Cruz y Raquel Tomàs.

Post- o Pre- con afectos o restos de Ursula K.Le Guin, Graham Harman, Franz Fanon, Bruno Latour, El diccionario de sinónimos, La pared de Traviesa entre la entrada y la sala de usos infinitos del CA2M, El Diccionario de Arquitectura Civil, Jane Bennett, Karen Barad, André Lepecki, Alva Noë, Enrique Iglesias, Toni Sierra/Abu Ali, El sistema eléctrico, Las bombillas, La mesa, El boli azul Big, Maurice Blanchot, entre otros u otras, los cuales también tienen afectos o restos de otrxs. 

Había una mirada que escuchaba en el rostro del que quería conocer.
Para aprender, uno tiene que estar callado.
Para ver, uno tiene que estar con el vacío.
El vacío de palabras que esconden mundos latentes.
Mundos con nombres de cosas que las elevan en una orgía de lugares por venir.
Polisemia y metáfora que agrupan y se chocan con la física y la pragmática, con lo tangible y lo no tangible, con las multiplicidades de lo animado, con las temporalidades de la materia…
Materia que es rastro, rastro que es señal, señal que es huella, huella que es pista, pista que es vestigio, vestigio que es partícula, partícula que es miga.
Esta miga.
Las que conviven y acarician la realidad de los lugares mientras se esconden.
Mientras la digestión sigue su curso y sigue en la transmisión de cuerpos a través de muchos lugares.
Lugares que se mueven incesantes con las pelucas generadas con los rastros que hemos dejado.
Que hemos dejado todas.
Todas hemos dejado.
Hasta el aleteo de la pared traviesa del museo de formato temporal continuo.
Esta pared que anda hasta nuestras casas para seguir poniendo en interrogación la blancura de lo blanco.
Esa pared que se quiebra con la estela de las presencias que la han tocado.
Esa pared y sus cosas que solo ellas saben la profundidad de lo que son más allá de los nombres aplicables.
Nombres aplicables de una civilización y una cultura que no esconde los nombres para llamarse a sí misma.
¿Cómo nombramos aquello que se está quebrando?

Los dominios infinitos de la materia nos mueven y nos desplazan hacia su entidad más profunda.
Profundidades cercanas para miradas atemporales.
Miradas desprendidas de la imagen y comprometidas con la boda cosificada de dónde estamos.
ESTA raya direccionada con lo que ha sido y que sigue su devenir como singularidad desprendida de su ama.
Movimiento autónomo y trenzado con los dominios del poder iluminados por todos los palos eléctricos en medio de las calles y prados de los mundos desarrollados.
Electricidad escondida e invisible que ha dominado el dominio de lo visible, de las sombras y de los nombres.
Y en el nombre surge lo innombrable.

En el habla surge la ignorancia hacia el nombre preciso de la acción que nos permite nombrar, ver, oír…
co-existir más que existir.
Estar con-tigo
Con-esto
Con-movido
Tocado en presente de indicativo por la simultaneidad de esta/huella/gris/resto, está/tabla/madera/tablero/cubierta, este/papel/colgante/trozo/cartón/pared…
Este Rastro Resto Esto
Esto que es aquel, aquello, eso, está, estas, este, estos…
Una sobre-posición de temporalidades que se cuentan a partir de lo sensible.

El movimiento inherente del estar sin ser articulado.

Sentir

Saber

Estar-ahí

Aquí

Con todo lo que atañe que sigue generando el estar-aquí
Con todo lo que se incluye y se excluye en esta imagen del todo que nos rodea.
Del todo imposibilitado de la tiranía de la cercanía.
Cercana es la materia que cubre la pintura de la retina de nuestros ojos,
Cercano es el velo invisible que cubre toda la imagen proyectada.
La imagen proyectada de aquello que imperamos ver sin visión.
De aquellos que nos negamos ver sin piel.
Que los hechos nos echen
Que la entelequia nos sitúe en esos espacios negativos de la maquinaria de la naturaleza.
La naturaleza puede hacer.
La naturaleza nos hace.
Lo natural se encuentra.

La construcción objetificada por el uso de lo cotidiano han sobre-construido otro objeto de consumo.
Otro velo que descansa en una imagen más que en la piel que lo habita.
La superficie no siente lo que el tacto da.
La mano rugosa, las superficies irregulares, los vientos perfectos, el suelo boyado o el sol escondido son de esos sentimientos con los que besamos o pegamos.
El mundo pasa a través de nosotros pero ni yo soy el mundo ni el mundo somos nosotros.

Barrunto continuo
Barrunto que es indicio, indicio que es vislumbre.
Semejanza entre mesas de paisajes cambiantes.
Semejanza como ancla a nuestra propia cobardía de estar siempre perdidos.
Perdidos en la imposibilidad polisémica de la nada.
Confundidos en la necesidad de volver a darnos co-existencia a través de los nuevos ríos que hemos construido a diario.
Multi-construir la realidad para seguir siendo responsables.
Capacidad para dejar lugar a las respuestas a través de la inquiriséncia del co-habitat.
Multi-construir desde las runas que palabras como estas ya han plantado.

ECLIPSE O LA IMAGEN SIEMPRE LLEGA TARDE

**A physical and timeless conversation between Carme Torrent and Quim Bigas

**Una conversa física i atemporal entre Carme Torrent i Quim Bigas

**Una conversación física y atemporal entre Carme Torrent y Quim Bigas 

ENG/CAT/CAST

In January 2015, Carme Torrent and Quim Bigas Bassart, were invited individually as participants of the Festival: “Sosteniendo la pregunta ¿Qué puede un cuerpo?” in La Casa Encendida, Madrid. We decided to use the meeting and the invitation that this framework gives us to generate a meeting / conversation between the two and all the other presences that appeared. From this opportunity, “Eclipse, the image is always late” arises.
For a few months, because of physical distance, we were generating epistolary correspondence through emails. This conversation allowed us to share and deploy what would later be a body of artistic practice. The first sample of our collaboration took place in Madrid in 2015.
From here, the meeting unfolds in different formats and, throughout the project, several possibilities arise that invite us to approach different strata of time. With this project we have the desire to approach variable modes of production that are being rescued and reformulated extensively over time.
During 2017, it was a project in residence at the Graner. In November 2017, we shared the “ECLIPSE 2015” format within the “Hacer Historia(s) vol.II” curated by La Poderosa. In February 2018, we shared, at the Fundació Mirò in Barcelona, ​​the format “The _______ is always late” within the expanded program of the Sâlmón Festival.

ENG/CAT/CAST

Al gener de 2015, Carme Torrent i Quim Bigas Bassart, van ser convidades individualment com a participants del Festival: “Sosteniendo la pregunta, ¿Qué puede un cuerpo?” a La Casa Encendida, Madrid. Vam decidir utilitzar la trobada i la invitació que aquest marc ens facilitava per generar una trobada / conversa entre les dues i tot les altres presències que apareguessin. D’aquesta oportunitat, sorgeix “Eclipse, la imagen siempre llega tarde”.
Durant alguns mesos, a causa de la distància física, vam estar generant una correspondència epistolar a través de correus electrònics. Aquesta conversa ens va permetre compartir i desplegar el que més endavant seria un cos de pràctica artística. La primera mostra de la nostra col·laboració va tenir lloc a Madrid el 2015.
A partir d’aquí, la trobada es desplega en diferents formats i, al llarg del projecte, sorgeixen diverses possibilitats que ens conviden a aproximar-nos a diferents estrats de el temps. Amb aquest projecte tenim el desig d’apropar-nos a variables modes de producció que van sent rescatats i reformulats de manera dilatada en el temps.
Durant el 2017, va ser projecte en residència al Graner. Al novembre de 2017 vam compartir el format “ECLIPSE 2015” dins del “Ciclo Hacer Historia(s) vol.II” comissariat per La Poderosa. Al febrer de 2018, compartim, a la Fundació Mirò de Barcelona, ​​el format “La _______ siempre llega tarde” dins de la programació expandida de Festival Salmon.

ENG/CAT/CAST

En enero del 2015, Carme Torrent y Quim Bigas Bassart, fueron invitadas individualmente como participantes del Festival: “Sosteniendo la Pregunta, ¿Qué puede un cuerpo?”, en La Casa Encendida, Madrid. Decidimos utilizar el encuentro y la invitación que este marco nos facilita para generar un encuentro / conversación entre las dos y todo las otras presencias que apareciesen. De este encuento, surge “Eclipse, la imagen siempre llega tarde”.
Durante algunos meses, a causa de la distancia física, estuvimos generando una correspondencia epistolar a través de correos electrónicos. Esta conversación nos permitió compartir y desplegar lo que más adelante sería un cuerpo de práctica artística. La primera muestra de nuestra colaboración tubó lugar en Madrid en 2015.
A partir de aquí, el encuentro se despliega en distintos formatos y, al largo del proyecto, surgen varios posibilidades que nos invitan a aproximarnos a diferentes estratos del tiempo. Con este proyecto tenemos el deseo de acercarnos a variables modos de producción que van siendo rescatados y reformulados de forma dilatada en el tiempo.
Durante el 2017, fue proyecto en residencia en el Graner. En noviembre de 2017 compartimos el formato “ECLIPSE 2015” dentro del “Ciclo Hacer Historias vol.II” comisariado por La Poderosa. En Febrero de 2018, compartimos, en la Fundació Mirò de Barcelona, el formato “La _______ siempre llega tarde ”dentro de la programación expandida del Festival Sâlmón.

Grec 18/24. Agost Produccions & Quim Bigas

2017

**¿Qué es un teatro?

**¿Què és un teatre?

**What is a theatre?

Amb: RODRIGO AGUILAR, ALEXANDRA BANOIU, MIQUEL BRASÓ, SANDRA REINA,
ALBA FIGUERES, ELISABET GINER, MERITXELL GINER, HELENA GÓMEZ,
LAURA GUILLÉN, ÈRIC PONS, ALFONS DEL POZO, BÀRBARA MISERENDINO,
CARLA TOVIAS, MARÍA ZAYAS I JOSÉ ALBERTO ZAPATA.

fotos taller grec 2017 assaig 8 b

 

CAST/CAT/ENG

¿Qué es un teatro ? y ¿qué se puede hacer en un teatro? Con estas preguntas como punto de partida, Agost Produccions y Quim Bigas se proponen activar las preocupaciones de un grupo de personas de entre 18 y 24 años, reunidas durante el mes de julio para ver cuatro obras de teatro y un taller conjunto en el marco del festival Grec.
Los participantes han construido su escala de valores a partir de los contextos en los que han estado. Cada una de estas personas tiene una relación con el acto escénico diferente. Los hay que no habían estado en un teatro, o de otros que han visto teatro en centros cívicos. Hay personas que están cursando los primeros años de sus estudios escénicos, y los hay que hacen otras carreras mientras desean poder hacer teatro. Hay que provienen de la danza, de las corales, del musical, de la performance, o de trabajar en una pastelería …
En lugar de buscar una cohesión, nos embarcamos en la posibilidad de accionar desde la multiplicación y la dispersión. ¿Qué nos agrupa? ¿Qué nos separa? ¿Cuál es el espacio para hacer oír nuestras voces? ¿Y si tenemos que dejar hablar a quien tiene algo que decir? ¿Y si las palabras ya han perdido todo el sentido y necesitamos invocar el cuerpo para hacer sentir nuestro discurso? ¿Qué nos hace personas arriba de un escenario?
Esta activación escénica no es más que la puesta en común de estos encuentros. Es un momento de apertura para compartir sus preocupaciones, con la ambición que también puedan ser las suyas. 

CAST/CAT/ENG

Què és un teatre?, i què es pot fer en un teatre? Amb aquestes preguntes com a punt de partida, Agost Produccions i Quim Bigas es proposen activar les preocupacions d’un grup de persones d’entre 18 i 24 anys, reunides durant el mes de juliol per veure quatre obres de teatre i fer un taller conjunt en el marc del festival Grec.
Els participants han construït la seva escala de valors a partir dels contextos en els quals han estat. Cadascuna d’aquestes persones té una relació amb l’acte escènic diferent. N’hi ha que no havien estat mai en un teatre, o d’altres que han vist teatre a centres cívics. Hi ha persones que estan cursant els primers anys dels seus estudis escènics, i n’hi ha que fan altres carreres mentre desitgen poder fer teatre. N’hi ha que provenen de la dansa, de les corals, del musical, de la performance, o de treballar en una pastisseria…
Enlloc de buscar una cohesió, ens embarquem en la possibilitat d’accionar des de la multiplicació i la dispersió. Què ens agrupa? Què ens separa? Quin és l’espai per fer sentir les nostres veus? I si hem de deixar parlar a qui té coses a dir? I si les paraules ja han perdut tot el sentit i necessitem invocar el cos per fer sentir el nostre discurs? Què ens fa persones dalt d’un escenari?
Aquesta activació escènica no és més que la posada en comú d’aquestes trobades. És un moment d’obertura per compartir les seves preocupacions, amb l’ambició que també puguin ser les vostres.

fotos taller grec 2017 assaig 53 b

CAST/CAT/ENG

What is a theater? What can be done in a theater? With these questions as a starting point, Agost Produccions and Quim Bigas intend to activate the concerns of a group of
people between 18 and 24 years old, gathered during the month of July to see four plays and to do a workshop as one of the parallel activites of Grec festival (Barcelona).
The participants have built their scale of values from the contexts in which they have been part of. Each of these individuals have a diverse relationship with the scenic act. There is people that had never been in a theater, others who had seen theater at civic centers and other that had never been in a theatre. There are people who are studying their first years at acting studies, and there are other people that are studying other subjects while wanting to be able to study and do theater. They come from dance, choirs,  musical, performance, or from working at a pastry shop …
Instead of searching for cohesion, we embark on the possibility to drive from multiplication and dispersion. What makes us a group? What separates us? What is the space for the individual voices? What if we might give space to the ones that has things to say? What if the words have already lost all the relevancy and we need to invoke the body to make it speechfull? What makes people in a scenario to be actors?
This scenic activation is nothing more than a result of this encounters. It’s a moment of openness to share our concerns, with the ambition that they can be yours too.

 

APPRAISERS/Las Cosas

Texto de la pieza escénica APPRAISERS/Las Cosas, presentada en Teatro Pradillo 2016. 

Escrito por Quim Bigas con cruzes de Roberto Fratini 

Este lugar estaba antes de nuestra llegada. Nuestra llegada simplemente ha permitido que este lugar existiera para nosotros. No todos los lugares son lo mismo. No todas las presencias son las mismas. R dice que hay una diferencia entre espacio y lugar. R dice que el espacio es el concepto fetiche de la danza moderna y que quiere aludir a una extensión abstracta y vacía, un especie de absoluto, al tipo de hueco virginal que la danza ha siempre tenido la arrogancia de querer fecundar. El LUGAR, al contrario, dice R, es relativo, connotado, lleno de cosas e, incluso, memorial. El principal factor de su relativización es precisamente el hecho de que “estuviera” antes de nuestra llegada (y de que estará cuando nos hayamos marchado). En su dimensión más esencial (que en cierto sentido aparece o emerge solo en la soledad de una extensión consigo misma) el Espacio es por definición lo habitable. El Lugar es por definición inhabitado (precisamente porque fue o será habitado). El espacio atañe al poder. Tal vez el lugar tenga más que ver con la impotencia.

Los espacios se ocupan y los lugares se van transformando. Este lugar se está transformando.

A (hora exacta del momento en que estás leyendo) de este día, podemos decir que aquí no va a ocurrir nada más que no esté ocurriendo ahora mismo. De todas formas, nuestros ojos no pueden ver todo a la vez; por ese motivo los movemos y nos movemos. El movimiento emerge de nosotros sin necesidad de ser considerado como tal. Nuestro movimiento es constante. Nuestra búsqueda es constante. Somos constantes. Hay quien dice que el ojo esta densamente conectado con todos nuestros sentidos. El ojo esta densamente conectado con nuestros sentidos. Ver es, entre otras cosas, tocar.  B dice que No es que simplemente nos movamos por el hecho de ver; es que, en buena medida, mientras nos acostumbramos a producir un censo a distancia de las cosas del mundo a través de las imágenes, también aceptamos renunciar a una parte de nuestra movilidad.”. Por ver, hemos dejado de movernos. Y para movernos, necesitamos  ver.

El día que veamos un hierro, lo toquemos y sea líquido como agua o veamos un neón, lo toquemos y sea duro como un hierro o veamos otro hierro, lo toquemos y sea suave como el linóleo, o veamos otro linóleo, lo toquemos y sea caliente como un foco o toquemos una cara y se nos resbale como un hielo, o que veamos un hielo y sea duro como la madera, que toquemos una madera y sea intocable como las partículas de polvo, que veamos polvo, lo toquemos y sea pesado como el plomo, que toquemos un cable y nos muerda los dedos… Ese día, nos vamos a cagar.

De todo lo que sabemos, ¿Qué no está conectado con la memoria? ¿Qué no nos transporta a otros lugares? ¿Cuántas sillas distintas podríamos dibujar si dibujáramos “LA SILLA”? ¿Y “LA MESA”? ¿Qué pasaría si no sale nadie más a escena? ¿Y si este espacio se queda vacío esperando a que nosotros le demos la existencia que siempre ha estado buscando ? ¿Y si no podemos dar existencia a este espacio porqué nunca ha tenido? ¿Y si sólo nos guiamos por el deseo de dar sentido a la propia necesidad humana? ¿Y si empezáramos a observar solo por la acción de observar y no la de reconocer? ¿Cuántas veces al día miramos a las cosas? ¿Cuántas veces al día miramos a las cosas y, con esa acción, las tocamos y las olemos ? ¿Y si observamos sin la propiedad  que implica el acto de empoderamiento que nos otorga la mirada, sin poner en duda sus atributos como propiedades de las cosas? ¿Creéis que podríamos crear otro mundo si viéramos de forma distinta? ¿Y si pudiéramos ver con una mirada que en lugar de ordenar, desordena? ¿Es posible unificar aquello que vemos? ¿Podríamos crear otro tipo de consciencia si nombramos las cosas de forma distinta? ¿Conoces las realidades de primer orden?

¿Por qué en un espacio se le da más importancia a las paredes o a los focos que a los enchufes? ¿Cuántas cosas estamos dispuestos a dar por supuestas? ¿Crees que puedes ver en tiempo real? ¿Crees que hay cosas en tu retina que te impiden ver tan bien como los otros? ¿Has pensado alguna vez que las pupilas de la gente que tienes alrededor son distintas? ¿Qué ves cuando tienes los ojos cerrados? ¿Qué es lo primero que ves cuando abres los ojos otra vez? ¿Y si lo repites? ¿Qué ves cuando tienes los ojos cerrados? ¿Qué es lo primero que ves cuando abres los ojos otra vez? ¿Y si lo repites? ¿Qué ves cuando tienes los ojos cerrados? ¿Qué es lo primero que ves cuando abres los ojos otra vez? ¿Hasta qué punto crees que la repetición existe? ¿Has hablado alguna vez con algún amigo sobre lo que ven tus ojos? ¿Te has dado el espacio para observar que el mundo es redondo si realmente rodeas el infinito? ¿Qué te dice tu cuerpo cuando observas? ¿Crees que la mirada crea cuerpos? ¿Qué ves si digo la palabra MAR? ¿Cuántos cuerpos reconoces en ti? ¿Y en los otros? ¿Consideras la información que recibes con tu cuerpo más relevante que la información de otros cuerpos? ¿Cuántas cosas conoces que no están afectadas por la actividad humana? ¿Crees que los humanos podemos hablar de realidad? ¿Crees que la realidad es un argumento para tener razón? ¿Cuántos libros lees al año? ¿Y a la semana? ¿Y al día? ¿Y a la hora?

¿Te preocupa mucho “ser útil”?

Útil  es el enchufe que permite que esta luz te enseñe el espacio. Útil es más el material con el que se ha hecho esta pared que la pared en sí. Útil es el viento que pasa entre las puertas y los agujeros que atraviesan este espacio. Útiles son las piernas de la silla más que el respaldo. Útiles son los clavos y el cemento. Útiles son los cables y el sistema de tuberías. Útil es que alguien lo diga para que la gente se pueda posicionar en ello. Útil podría ser pensar.

Pensar, por ejemplo, en la utilidad. T ha querido hablar de utilidad y abuso como algo intrínsecamente ligado.  Aunque parezca raro, la diferencia entre uso y abuso entronca en todo un discurso sobre la propiedad (de nuevo) y el significado de la propiedad como modelo de la relación entre lo humano y el mundo dado. Existe, ahora mismo, a nuestro alrededor, un abuso al mundo dado y una utilidad de lo humano. Útil es anunciar que en este espacio han pasado muchas personas y algunas han abusado de él. Útil es negar la corporalidad de esta voz debido al abuso que han generado ciertos cuerpos en ciertos contextos. Útil sería amar lo que nos rodea por su potencia. Útil es la constatación de este lugar y sus cosas. Útil es disparar el pensamiento como algo que tiene lugar. Útil podría ser pensar en este lugar.

Pensar en la relación de tu cuerpo con este lugar, con otros lugares: con la pared, con las fundamentos, con el marco de la puerta, con el vidrio, con lo químico, con un cuerpo escribiendo esto delante de un ordenador pensando en nosotros, pensando en un espacio que quiere ser visto, pensar en la paradoja de toda acción,… pensar en el encuentro.

Este encuentro. Este encuentro que no busca más que estar aquí, estar contigo e invitarte a estar con-todo.

En este espacio, hay un libro. De hecho hay dos. Uno de ellos es de Juan José Millàs. Hacía la página 45 del libro, el nombre de la chica más repetido hasta el momento, tiene un ataque de ansiedad. La ansiedad le es provocada debido a que se siente rodeada de sustantivos y no puede soportarlo. La cosa es un sustantivo que contiene otras cosas que también son sustantivos que son sustantivos. Incluso la palabra sustantivo es un sustantivo. ¿Qué pasaría si intentáramos nombrar todo lo que nos rodea? ¿Qué pasaría si todos esos nombres estuvieran esperando por su momento de existencia? ¿Qué pasaría si no pudiéramos distinguir entre aquello que usamos y aquello de lo que hemos abusado? La luz, el foco, la bombilla, el hierro, el gancho, la cadena, la pared, la marca, la mancha, el boli, la tinta, el papel, los clavos, los altavoces, el aluminio, el reflejo, el polvo, la moneda, la marca, la otra marca, el extintor, la columna, la cintailante, la rejilla, la otra rejilla, la otra rejilla, la brida, el mosquetón, el otro mosquetón, el enchufe, el alargo, la regleta, el hilo, la escalera, las sombras, la caja, el sonido, la luz, el aire, la barra, las barras, la otra silla, las pestañas, el papelito, el boli, la marca, la señal, el detector, la tela, la cuerda, el suelo, la hormiga, vocabulario técnico…  (sigue nombrando sustantivos de cosas que hay en el espacio donde te encuentras. Levanta la cabeza del papel. Aproximadamente 3 minutos.)

Y todo esto estaba antes de nuestra llegada y se quedará cuando nos vayamos.  Nuestra presencia ha permitido que esos sustantivos formaran parte de nuestra presencia y, en cierto modo, afectaran nuestra forma de ver el mundo. Ver es sentir. Ver es escuchar. Ver el mundo es permitir que el mundo este tanto en ti como fuera de ti. Es entender esa retroalimentación que ocurra al ver, reconocer, volver a ver y reconocer, ver, reconocer, volver a ver y reconocer. Esa retroalimentación que nos permite que las cosas no sean simplemente cosas sino todo aquello que nos queda por conocer. Y ese deseo a saber, al conocimiento, nos ha llevado a movernos. A poner el cuerpo. Y sí. Sabemos que una mesa es una mesa porque hemos estado a su alrededor. B2, dice que Sabemos la forma de las cosas porque, de alguna forma u otra, las hemos rodeado. Estas cosas son afectos y consecuencias de cuerpos y experiencias como la nuestra.  Somos cuerpos con afectos de objetos y rastros de cuerpos.  Somos objetos con afectos de cosas. Somos cuerpo-cosas.

Alguien podría entrar ahora mismo y observar nuestro rastro a través de las cosas. A través del aparente cementerio que hemos dejado atrás; observar lentamente sin saltarse absolutamente nada. Viendo sin reconocer. Dejando que todo sea lo que ya es. Dar espacio a las cosas que están compuestas por el lugar del lugar de este espacio y que incluye todas las cosas que están aquí y que nombres como el nuestro han dejado y seguirán dejando.  Nuestro mundo está abarrotado de “imágenes de cosas” que están allí para “ocupar” la visión y saturar el discernimiento. Aparcar, cada tres segundos, la mirada como un estímulo visual concebido y estudiado para ser, simplemente, un estímulo visual Es la mejor manera, en tiempos de totalitarismo espectacular, de impedir que nuestra mirada capte la plenitud de lo real. Dormimos en todas las imágenes, pero no nos despertamos en ellas. Dormimos en todas, pero no las habitamos. No habitamos para seguir dejando lugares; dejando rastros; dejando cosas…

APPRAISERS+Nyamnyam

2017.

Sâlmón> Festival invites NyamNyam. NyamNyam invites Quim Bigas. Quim Bigas invites Raquel Tomàs. We all make a system and a encounter between things and phenomena trigger by a little publication.

 

“Raquel Tomás separa y pone en mesas diferentes a los que vinieron acompañados. La idea, supongo, es generar conversaciones, sinergias distintas a las habituales entre conocidos. Algunos ya hemos estado aquí muchas veces, pero otros no, y es bueno que así sea, que esta suerte de zona temporalmente autónoma crezca y vaya ampliando la lista de cómplices. Sucede que hoy no hablamos tanto como otras veces ya que la propuesta que plantea Quim Bigas va más de leer, masticar, pensar, volver a leer, mirar, masticar, deglutir, y así ser más conscientes de qué comemos, con quién, y qué rituales, llámalo coreografía, hacemos sin darnos cuenta cuando nos enfrentamos al hecho inevitable de tener que alimentarnos.

No soy mucho de cocinar, pero leyendo el libro que han cocinado Quim Bigas, Ariadna e Iñaki, me doy cuenta que sí es verdad que cada mañana represento una pequeña coreografía. El desayuno lo preparo, y muy bien por cierto, con esmero. Especialmente el café. Nada de Nexpreso ni mucho menos café instantáneo, horror de los horrores, café americano. Una buena cafetera Volturno de rosca (las de los chinos parecen lo mismo pero no, haced la prueba), café colombiano molido en la tienda del barrio, agua embotellada (porque en Barcelona el agua del grifo tiene un sabor asqueroso), sin leche ni azúcar, por favor. En definitiva, una serie de movimientos y acciones que ejecuto cada mañana casi del mismo modo siempre y que hoy he recordado y he visto en mi cabeza mientras masticaba una hoja de lechuga que había llegado desde el Maresme pocas horas después de haber sido recogida del huerto.

Es la tercera vez que participo en una versión de Appraisers. La primera fue en Pamplona, dentro del festival Inmediaciones, una activación perequiana sobre la que ya escribí algo aquí. La segunda en el Graner que me dejó pensando en lecturas pendientes y en por qué nos obsesionan unos temas y no otros. Hoy, de nuevo, esta otra ramificación del dispositivo ha disparado otro tipo de reacciones, más desde el estómago, no sólo por el hecho evidente de que comía mientras pensaba esto que ahora escribo sino porque el hecho de estar ahí y de re-encontrarme, por ejemplo, con Eloísa Jaramillo, colega de Bogotá, no era debido a ninguna casualidad, que ya sabemos que no existen, sino a ciertas sinergias que proyectos como los de Quim provocan. ” Marc Caellas en MAMBO

Conference How to make dance relevant 4 · Analysis of best practices ·

25 cases were included in a catalogue that might face, in one way or the other, the topic of relevance in dance. Then, 25 cases talks implicitly about their way of dealing with a certain urgency with dance as one of its main agents. 25 cases are talking implicitly about institutions, responsibility and relevancy in very distinctive ways. Despite all, perhaps it’s interesting to look at the commonality of those projects and less on the singularity of those.

Being invited by the European Dancehouse Network and independent agents Mònica Pérez and Steriani Tsintziloni, I attempted to lead a session that had as a main focus the analysis and the indexation of the information that each of the cases were given. By the use of quantitative methods, we might be able to talk about the relation between those projects and the current dance policies in Europe. The session was meant to exist through an accumulation of questions as well as pointing out how the representative aspects of those cases might be playing a crucial role in the way we activate in the European dance scene.  By seeing what those cases generate in common, maybe we can…. Read more here.

A POSSIBLE MANIFESTO ON DOCUMENTING AND DOCUMENTATION.

A POSSIBLE MANIFESTO ON DOCUMENTING AND DOCUMENTATION.
1. DOCUMENTING AND DOCUMENTATION ARE NOT THE SAME.

2. A DOCUMENT HAS POTENTIAL. DOCUMENTATION HOSTS POTENTIAL.

3. YOU DOCUMENT.
3.1. YOU CAN DOCUMENT SOMETHING THAT BECOMES DOCUMENTATION.

4. DOCUMENTATION IS A CONSEQUENCE OF THE PRACTICE OF DOCUMENTING.
4.1. DON’T GIVE FOR GRANTED THAT IF YOU DOCUMENT YOU HAVE DOCUMENTATION.
4.1.1. DON’T CALL DOCUMENTATION ALL THE PICTURES YOU HAVE IN YOUR COMPUTER.

5. DOCUMENTING IS THE ACTION OF WANTING TO TELL A PERSPECTIVE WHICH IS TRUE.

6. DOCUMENTATION EMPOWERS OR DESTROYS THE NOTION OF TRUTH BY ITS OWN ACCUMULATION AND TRANSFORMATION.

7. DOCUMENTATION IS NOT STATIC. IT IS TRANSFORMING AND BEING AFFECTED.

8. DOCUMENTATION GOES FURTHER THAN THE REALMS OF UTILITY.
8.1. DOCUMENTATION CAN BE USEFUL.
8.2. DOCUMENTATION CAN BE USELESS.

9. DOCUMENTATION CAN BECOME MORE IMPORTANT THAN THE WORK ITSELF.

10. DOCUMENTATION IS NOT BRANDING EVEN THOUGH YOU CAN DOCUMENT FOR MARKETING PORPOUSES.

11. DOCUMENTATION CAN (SHOULD) BE OUT OF YOURSELF.

12. DOCUMENTATION IS AN ENTITY OUT OF YOURSELF.

13. DOCUMENTATION IS THE ACTION OF PROVING AND BEING AVAILABLE AS A SUBJECT. THE DOCUMENTS ARE AVAILABLE BUT NOT THE WORK ITSELF.

14. DOCUMENTATION GOES FURTHER THAN THE REPRESENTATIVE. EVEN FURTHER THAN THE DOCUMENT.

15. DOCUMENTATION MIGHT BE A TOOL TO EMPOWER CERTAIN NOTIONS ON CIRCULAR TEMPORALITY.

16. DOCUMENTATION CAN BE DISJOINTED FROM HISTORY OR LEGACY.

17. DOCUMENTATION ALLOWS SIMULTANEITY TO EMERGE. THEREFORE, TIME IT’S BEING PERCEIVED IN A DIFFERENT MANNER.

18. MIGHT BE IMPORTANT TO KNOW WHERE YOU ARE DOCUMENTING FROM.
18.1. YOU CAN DOCUMENT FROM MANY DIFFERENT PERSPECTIVES.

19. THE WAY WE DOCUMENT TELLS ABOUT THE WAY WE SEE AT THINGS AND THE VALUE WE ARE GIVING TO IT.

20. EACH WORK/PROJECT/PRACTICE MIGHT NEED DIFFERENT MODES OF DOCUMENTING.

21. DOCUMENTATION MIGHT BE A PLATFORM WHERE TO HAVE A CONVERSATION FROM.

22. ACCESSIBILITY IS A MUST IN THE REALM OF DOCUMENTATION.

23. DOCUMENTATION IS A TRIGGER FOR ACTIONS.

24. TO DOCUMENT IS TO DEAL WITH THE VISIBLE REALM. DOCUMENTATION GIVES SPACE FOR GAPS BETWEEN DOCUMENTS WHICH ARE INVISIBLE.

25. DOCUMENTING IS AN AFFIRMATIVE ACT TOWARDS WHAT HAD HAPPEN. DOCUMENTATION CAN QUESTION WHAT HAPPENED.

26. IT IS DANGEROUS TO GIVE DOCUMENTATION FOR GRANTED. HAS TO BE REVISITED AND UPDATED CONSTANTLY.

Self-interview on APPRAISERS

**

Hello Quim

-Hi Quim

-Could you introduce us a bit into your last project?

-Well, I’m still not sure if I could call it a project. I have the feeling that I’m generating a project inside another project and, in terms of terminology, it is a bit confusing to talk about it. Although I’m dealing with an “ongoing project”, I have the suspicion that the project in itself (meaning the action or the format that keeps me busy at the moment) is also a project with its own logics of productions, communication and, of course, decision-making. So, the project unfolds into different layers which crystalizes into different formats that are hosted by this “ongoing project”.

In general terms, if I’m interested in “the project” idea it’s because, one of its meanings, it refers to the idea of going forward. So, there is something very interesting about the idea that the project is moving me forward too. Opposite to that, I’m not interested in the project approach regarding achievement, goals and other forms which are, from my perspective, a bit too aim oriented.

Going back to your question, I have been working on a context which could be a trigger for a conversation between the visitors and the artists involved. It is actually a commission from Graner, a residency space in Barcelona inside Sâlmon Festival which they also organize. As a starting point there was a wish to generate a dialogue between audience and artists while giving visibility to my artistic process.  The process they were referring to is APPRAISERS an “ongoing project” which is becoming many things and that started in 2011.

So, “APPRAISERS/this conversation” ended up being a trigger for a conversation. Even though we were working around the idea of dialogue, I found the whole approach of having a conversation much more enriching than the idea of establishing two active positions from the beginning.

-Who are “we”? Are you working with a team?

-From my perspective, there is a sense of team. But that team is not fixed or closed. It is actually a bit more dynamic. Maybe is not a team as such, I don’t know…

What I do know is that APPRAISERS have had many contributors and that they have contributed to different stages of the work. Some parts of those stages have been shared and others not. I believe their contribution is essential for the project to keep moving forward and to the notion of network and affection that I’m interested in.

I presume that having contributors or being in a constant conversation with some people comes as a consequence of my own resources. In fact, I have never applied for any kind of funding. Then, my strategies have to change in connection to my current possibilities and the contexts and I’m in dialogue with. Nonetheless, I have been very lucky to find Raquel Tomàs since she is a supporter and a continuum of the project. She has been involved in many of the formats I have generated. At the beginning, she was involved as a dramaturge but she ended up being an active part of it further than the role of the dramaturge. In fact, we just realized that the dramaturgy of this project is much more on the idea of affects and encounters rather than trying to found tools or strategies for drama. In most of the works we have generated “things looks as they already are”. By that, we explode its own mean of representation as well as its own potentiality for the properties that it already has. At least, that’s something we came out with.

Aside of Raquel there are other people that have been involved in different formats of APPRAISERS. For “APPRAISERS/this conversation” the team of Graner was an active part during the whole process. There was something very interesting on the idea of having a conversation between institution and artist which informed many aspects of the work and some of the decisions that were made. With them, we’ve had meetings more scheduled, they had their questions, I will have mine and then we will go into practicalities.

So, there might a constant relation with something else. A sense of team which arises by the same idea of putting into a conversation what is happening. At any rate, a conversation can happen in many levels and that is what I’m busy with. Thereby, the conversation also happens with the materials and the work in itself and that is one of the valuable aspects of the project.

-I sense you are also talking about a team and, other times, you are talking from your own perspective. I’m assuming you are having a very important position in that work, would you say that you are the leader?

-I like to call myself an activator. There’s something on that position that takes away certain aspects of leadership which I feel not so comfortable with. As an activator, I allow things to be an invitation and non-conclusive. The scores or structures that I work with are platforms where to generate a certain discourse. As a matter of fact, those scores or structures are mine and I activate them by having in consideration the context and the curiosities of the current moment of the project. So, the involvement of contributors is of relevancy as well as when and where the project is taking place.

Today I have the suspicion that the choreographic work of the project is around its logics, the notion of order and the delivery of a context which is affectual, potentiality and concreteness at the same time.  Some other days, I just feel that I am “checking” a project that goes on its own.

-What do you mean when you mentioned that “the project goes on its own”?

-The project APPRAISERS wants to deal with data and information in the present. By it, the idea of present becomes at stake. This present attempts to go both ways: past and present. By it, future might come at stake. It is kind of weird to explain, but I’m guessing that the fact of calling a table just by its name gives a shape to the present as well as how the table and the present were constructed. Following to that, the whole data, documents, texts, books, formats are informing each other and already generate an architecture for things to happen.

Actions are ready any time because of its concreteness and not because my artistic decisions. In fact, my artistic decisions are to allow things to be as they are so, as I have said before, they become many things.

One of the positive things of being-with this long project is to be dealing with its constant transformation. That allows me to keep with the idea of moving forward. So, I work with the information generated as a way to allow it to be movable. By it, reformulation it is a very thrilling perspective to have in mind. So, the work generated is the material of the newer becoming.  So, I work with the information generated as a way to allow that information to move. Through this potential for movement, reformulation is a very thrilling perspective to have in mind. So, the work generated is, itself, the material of the newer becoming.

I’m not 100% sure about what I just said but maybe it’s good to have it in mind as an approach for myself (laughs).

-Then, does the work always look the same? How are you approaching the materials in relation to this ramification or diversification of formats?

-I don’t know if the work looks the same. What I can say is that it doesn’t generate the same affects. Anyhow, it can be that in one of the formats we focus on something very specific of the project and that, other times, we are doing something rather general.

For instance, the format I activated at Sâlmon Festival was quite a large topic: documentation. What I ended up doing was displaying and composing all the documents I have generated during the last five years of the project. So, even though I was tempted to compose a bit more or to include physical actions inside of the map, it was important that I trusted the material like it was. So, the material being part of a very large room was all that audience would find. I’m inclined to say that what I did was very radical but that was just a consequence of being concrete. At least trying to be concrete.

Briefly, the materials are being treated as materials, as potentials for other logics to appear. In fact, I like to think that there is no big difference between the physical materials, the objects we work with and the people involved in the project. Somehow, we all become subjects and objects of the work: we all become an affect to one another.

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**Thanks Chrysa Parkinson for the corrections, clarifications and comments.

Performer

Sweet by Aitana Cordero Vico (Featured image)

Escenas para una conversación después del visionado de una película de Michael Haneke- EL CONDE DE TORREFIEL

https://vimeo.com/40268661

Retrospective by Xavier le Roy

“Retrospective” by Xavier Le Roy is an exhibition conceived as a choreography of actions that will be carried out by performers for the duration of the exhibition. These actions will compose situations that inquire into various experiences about how we use, consume or produce time”

This exhibition employs retrospective as a mode of production rather than aiming to show the development of an artist’s work over a period of time. It seeks to recast the material from the solo choreographies in situations with live actions where the apparatuses of the theater performance and the museum exhibition intersect.

Based on solo works by Xavier Le Roy created between 1994 and 2010, the work unfolds in three time axes: the duration of the visit composed by each visitor, the daily basis of labor time of 16 performers and the time of the growth of a new composition during the length of the exhibition.

With 6 to 7 performers alternating with each other: Idurre Azkue, Quim Bigas, Cristina Blanco, Pere Faura, Sergi Faustino, Núria Gregori, Mizar Martínez, Guillem Mont de Palol, Elena Murcia, Mariona Naudin, Cristina Nuñez, Aimar Pérez, Karolina Rychlik, Clara Tena, Carme Torrent, Javier Vaquero.

From the 21st of February until the 22nd of April in Fundació Antoni Tàpies/Barcelona.

CHRISTINE GAIGG- Maschinenhalle#1

A limited space in which machines make up their own world, that we can observe and analyse, but not influence; whose systems we hear, see and feel, but do not understand. A world to which we are exposed.
Together, choreographer Christine Gaigg, composer Bernhard Lang, computer musician Winfried Ritsch, and light designer and stage designer Philipp Harnoncourt create a cross-genre art work specially for the Helmut List Hall for the opening of steirischer herbst, whose individual elements are connected by invisible threads: the shop, the machines and the people become a meta-machine whose rules determine the processes.
At twelve stations, arranged in series and each consisting of an acoustic panel and an automaton piano, twelve dancers perform in a feedback situation of movement and self-generating sounds. The result is indirect music: the steps on the acoustic panel are translated by a computer and transferred to the keys of the automaton piano, then played back and reinterpreted with human possibilities. In the repetition, the movements formed from the sound material change: new rhythms arise and challenge the dancers’ creativity and precision.
The twelve units correspond to each other, at times soloistic, at others choral, synchronous or contrapuntal – but always unpredictable in sequence and spatial distribution.
The machine pianos have an inherent technical virtuosity of which a human player would be incapable; the dancers then transform – equally masterfully – the machine-generated rhythms into complex, wild-flung or gently suggested adventures in movement. The juxta¬position and co-operation of man and machine is venturesome and full of friction.

 AITANA CORDERO VICO- 3 ways to master a kiss or a twentyfive minutes kiss at your neck


I remember 27 different “tastes” and one that feels home even after 13 years of repetition.
I remember big lips where it felt good to rest. I remember someone’s saliva that activated
my digestion process.
I remember impossible patterns, kisses that were a fight of nervous teeth.
I remember hard lips that pulled me out, I remember not thinking, I remember that I fainted
once.

Quim Bigas Bassart had also worked with Oleg Soulimenko, Ellen Kilsgard, GUACHO collective/Gustaf Iziamo,  Ibrahim Qurashi, Matej Kejzar, Jeremy Nelson, Luís Lara Malvacías, Akos Hargitay, Deda Cristina Colona, Diego Gil, among others.

Teaching/Facilitating

“From Z to      and from   to the further left corner and everything in between” Description ENG here

“De Z a        i de      a la cantonada dreta (i tot allò entremig)” Description CAT here

“RE-“ Description ESP here

“ the floor is yours/ a whole class in a low level”.  Description ENG here

Moving through cooperation Description ENG here

 

La Visiva / Cicle Lupa - Quim Bigas ©Tristan Perez-Martin
Picture by Tristán Pérez-Martin

Start his work as a teacher in 2005 in Catalonia. During the last years Quim has facilitate technical classes and sessions at Copenhagen Contemporary Dance School,  Descalzinha Danza (Madrid), Profesional training at DanseHallerne (Copenhagen), European Dancehouse Network, Dance House Leftkosia- Cyprus, Apropa Dansa Catalunya, Festival Sismògraf-Olot, La Visiva-Lupa (Barcelona), Festival INTACTO (Vitoria), Art Directors Club of Graphic Design and Catalan Council of the Arts.Quim is a resident teacher at Copenhagen-Contemporary school (Copenhagen-Denmark). Teaching: technique, movement research and composition. He also has been mentoring the Resident Artist at Dancehouse Leftkosia, Cyprus for 2016 and 2017.

He is also following up the projects of Helena and Julia Martos, Magí Serra, Aina Alegre, ZumZum Teatre and Sónia Gómez, Pere Jou and David Climent.