Artist involved in the EU artistic project: Dancing Museums 2019-2021. In residency at Fundació Mirò, Barcelona. In partnership with Mercat de les Flors and Fundació Mirò.
Selected artist for the EU artistic project: More Than This 2019-2020. Working in a new project in collaboration with Carlos III University/Robotic department and Naves Matadero, Madrid.
Residency at Mercat de les Flors (Barcelona), El Graner (Barcelona), La Caldera (Barcelona), Can Gassol (Mataró) + L’estruch (Sabadell). DV (Desplaçament Variable). Premiered: Autumn 2019. Mercat de les Flors
**DV (Variable Desplaçament) is a documentary dance piece that takes as its starting point the audiovisual available documents in a dance house archive.
**DV (Desplaçament variable) és una peça de dansa documental que pren com a punt de partida els documents audiovisuals disponibles en l’arxiu d’un centre de dansa.
**DV (Desplaçament variable) es una pieza de danza documental que toma como punto de partida los documentos audiovisuales disponibles en el archivo de un centro de danza.
Id, dir + chor: Quim Bigas Bassart
Cre + Perf: Søren Linding Urup, Aina Alegre, Sílvia Sant Funk
Drama: Ana Buitrago, Carme Torrent, Jorge Blasco
Doc arch: Raquel Tomàs
Stage D: Ángela López
Light D:Toni Ubach
So. D.: Pau Matas
Cos.: Søren Linding Urup
Cos. mak.: Ana Vivero
Graf. Doc. :Guillem Pacheco i Alessia Bombaci
Prod : Anna Bohigas
TX: Manel Alcobé
Copro: Mercat de les Flors
with Graner fàbrica de creació, La Caldera Arts del Moviment, Cal Gassol Centre d’arts escèniques de Mataró, La Poderosa, L’Estruch-Ajuntament de Sabadell
Suport Generalitat de Catalunya, Departament de Cultura
RESEARCH: Sep-Dec 2018
PROCESS: Ap-Oct 2019
PREMIERE: October 2019, Mercat de les Flors.
ENG/CAT/CAST
CAT/CAST/DV (Variable Desplaçament) is a documentary dance piece that takes as its starting point the audiovisual record of a dance house. In this case, we have focused on some of the solo works present in this resource.
Through 3 interpreters who tell us with their bodies the movements of 38 solo works, different body grammars appear on the scene. These displacements give continuity and add new affections to what has already been done and kept in the registry. Here, the concept of archive is revealed as an entity in continuous movement and as a place from which to trigger the senses.
A proposal where the visible and the invisible go hand in hand; where the references take space and present possible orders that reformulate our ways of seeing and generating meaning.
ENG/CAT/CAST
DV (Desplaçament variable) és una peça de dansa documental que pren com a punt de partida el registre audiovisual d’un centre de dansa. En aquest cas, ens hem centrat en alguns dels treballs en solitari d’aquest recurs.
A través de 3 intèrprets que ens narren amb els seus cossos els desplaçaments de 38 solos, apareixen en escena diferents gramàtiques corporals. Aquests desplaçaments, donen continuïtat i afegeixen nous afectes a allò que ja ha estat realitzat i emmagatzemat en el registre. Aquí, el concepte d’arxiu és desvetlla com una entitat en moviment continu i com un lloc des d’on disparar els sentits.
Una proposta on allò visible i invisible van agafats de la mà; on les referències van prenent espai i presenten possibles ordres que reformulen les nostres maneres de veure i de generar sentit.
CAT/CAST/ENG
DV (Desplaçament variable) es una pieza de danza documental que toma como punto de partida el registro audiovisual de un centro de danza. En este caso, nos hemos centrado en algunos de los trabajos en solitario de este recurso.
A través de 3 intérpretes que nos narran con sus cuerpos los desplazamientos de 38 solos, aparecen en escena distintas gramáticas corporales. Estos desplazamientos, dan continuidad y añaden nuevos afectos a eso que ya se ha realizado y guardado en el registro. Aquí, el concepto de archivo se desvela como una entidad en movimiento continuo y como un lugar desde donde disparar los sentidos.
Una propuesta donde lo visible y lo invisible van de la mano; donde las referencias van tomando espacio y presentan posibles órdenes que reformulan nuestras maneras de ver y de generar sentido.
**MOLAR is a somatic (non)solo work that uses the representative and the inquiry of emotions in order to converse on the way we move and are moved.
**MOLAR és un treball somàtic (no) solitari que fa ús de la representació i la indagació de les emocions per tal de conversar sobre la forma en com ens movem i som mogudes.
**MOLAR es un (no) solo somático que usa la representación y la indagación de las emociones para conversar alrededor de la forma en como nos movemos y somos movidas.
By Quim Bigas Bassart
Assist: Søren Linding Urup
Voices:
ESP: Raquel Tomàs, Cristina Hernández Cruz + Javier Cuevas
ITA: Marta Campo, Javier Cuevas + Cristina Hernández
ENG: Marta Campo, Soren Evinson + Inés Lambisto
GER: Mag Raphael Nicholas, Max Walmeier + Micaela Kuhn
FR: Alice Pons, Nicolas Chevalier + Aina Alegre
Vid Quim Bigas (: Youtube)
TX: Diego Gil.
Tec.: Irene Ferrer.
CO-PRO: Fira Tàrrega- SUPORT A LA CREACIÓ//LABORATORIS DE MOVIMENT + El Graner. Suport: ESTRUCH-Sabadell i Ajuntament de Malgrat de Mar.
Photos: Irene Serrat, Martí Albesa, Nora Baylach, Eva Freixa, Tristan Pérez-Martín, Carmen Dorado, TNT, Veranos de la Villa.
As a first impulse and trigger for our working imaginary, the word “happiness” appears; we envision “happiness” as performative and as a state with established rules of behavior. Finally, the main idea of this proposal has been to work with images linked to states of happiness (the Coca-Cola advertising, the euphoria of a goal, some music, the excitement of a hyper-motivated person, etc.) and develop a device which (re)presents a range of images that appear and disappear and are relatable to happiness; “Special Feeling”; BE COOL. That kind of archive of images and references allows us to point at the representative aspect of emotions in our current Western society.
During the presentation of the work, there are several (re)personifications of happiness with the body as the main agent as well as some audio or visual supports which enhances even more the concept of emotional merchandise. In this case, we have a special interest in dealing with emotions as that “thing” which is being (re)presented, is being (re)introduce, it is (re)present and is (re)shaping.
Through this ongoing process, we have worked with different sources that could present such a state in sync with music, memory and affected body. The performer, the one searching and seeking for a communal state, is committed to a score that works as a trigger of what we already have. Thus, in this show it is relevant to acknowledge and follow how the body is committed to the score in order to trigger a movement that evokes a state of comfort and happiness; a state which is not individual but necessarily belonging to the mass.
Mass mobilization and its identification with emotions are of special interest in this work. Thus the work puts on stake collective emotions as an important source of movement to today’s society. (For instance, the epic of football is a great example.) Due the current advertising procedures, we are introduced to happiness as something we can buy, we can get and we are asked to constantly keep buying and seeking for the happiness we wish for.
Finally, MOLAR is a somatic (non)solo work that uses the representative and the inquiry of emotions in order to talk about the way we move and are moved.
ENG/CAT/CAST
Com a primer impuls i disparador del nostre imaginari de treball apareix “la felicitat” com una cosa interpretada, com un estat amb normes de comportament. La idea principal ha estat la de treballar en relació a imatges vinculades a estats de felicitat (La publicitat Coca-Cola, l’eufòria d’un gol, alguns musicals, l’emoció d’una persona hiper-motivada, etc.) i desenvolupar un dispositiu que (re )presenti un ventall d’imatges que apareguin i desapareguin i que siguin relacionables amb la felicitat; “sentir-se especial”; SER GUAI.
Durant la presentació del treball, es presenten diferents (re)personificacions de la felicitat amb el cos com a principal agent, així com algunes petites intervencions visuals que ens ajuden a qüestionar encara més la idea del comerç de les emocions. En aquest cas, tenim especial interès en afrontar les emocions com una cosa que es (re)presenta, que (re)coneixem, que (re)presentem i que ens (re)posiciona.
En el procés, hem treballat amb diferents fonts que podrien presentar aquest estat en sincronia amb la música i el que conseqüentment genera en els cossos. El cos que es mou, l’intèrpret, està generant afectes; el seu compromís i objectiu és ser un disparador del que ja tenim. D’aquesta manera, és important la forma en com el cos es compromet a l’estructura i la seva memòria per tal de disparar un moviment que evoca un estat de confort i felicitat, un estat que no és individual necessàriament però que pertany a la massa.
La mobilització de la massa i la seva identificació amb les emocions són d’especial interès en aquest treball. D’aquesta manera, planteja emocions col·lectives com una font de moviment important per a la societat actual. En aquest cas, lo èpic del futbol és un gran exemple. D’altra banda, a causa dels nous procediments publicitaris, se’ns presenta la felicitat com una cosa que es pot comprar, que es pot aconseguir i ens demana, constantment, no deixar de consumir la felicitat que busquem.
ENG/CAT/CAST
Como primer impulso y disparador de nuestro imaginario de trabajo aparece “la felicidad” como algo interpretado y como un estado con normas de comportamiento establecidas. La idea principal de este trabajo ha sido trabajar en relación a imágenes vinculadas a estados de felicidad (la publicidad Coca-Cola, la euforia de un gol, algunos musicales, la emoción de una persona hiper-motivada, etc.) y desarrollar un dispositivo que (re)presente un abanico de imágenes que aparezcan y desaparezcan y que sean relacionables con la felicidad; “Sentirse especial”; SER GUAY.
Durante la presentación del trabajo, se presentan diferentes (re)personificaciones de la felicidad con el cuerpo como principal agente, así como algunas pequeñas intervenciones visuales que nos ayudan a cuestionar aún más la idea del comercio de las emociones. En este caso, tenemos especial interés en afrontar las emociones como aquello que se (re)presenta, que (re)conocemos, que (re)presentamos y que nos (re)posiciona.
En el proceso, hemos trabajado con diferentes fuentes que podrían presentar este estado en sincronía con la música y lo que consecuentemente genera en los cuerpos. El cuerpo que se mueve, el intérprete, está generando afectos; su compromiso y objetivo es ser un disparador de lo que ya tenemos. De este modo, es importante la forma en cómo el cuerpo se compromete a la estructura y su memoria para disparar un movimiento que evoca un estado de confort y felicidad, un estado que no es individual necesariamente pero que pertenece a la masa.
La movilización de la masa y su identificación con las emociones son de especial interés en este trabajo. De este modo, plantea emociones colectivas como una fuente de movimiento importante para la sociedad actual. En este caso, el épico del fútbol es un gran ejemplo. Por otra parte, debido a los nuevos procedimientos publicitarios, se nos presenta la felicidad como algo que se puede comprar, que se puede conseguir y nos pide, constantemente, no dejar de consumir la felicidad que buscamos.
Ongoing Choreographic Practice by Quim Bigas since 2011.
**The project APPRAISERS explores the ramification of formats, concepts and methodologies related to information and data in real time through different production modes.
**El proyecto APPRAISERS explora la ramificación de formatos, conceptos y metodologías relacionadas con la información y los datos en tiempo real a través de diferentes estéticas de producción.
An appraiser (from Latin appretiare, to value), is one who sets a value upon property, real or personal (Wikipedia]
The project APPRAISERS explores the ramification of formats, concepts and methodologies that deal with information and data in the present using different modes of producing. It is a choreographic practice that is relevant and applicable to many fields. Through the development of skills and rules it aims to make visible the existence of presence as well as empowering the idea that we are “makers of our own reality”[1](Watzlawick, 1995).
Through the new information era we have gained the capacity of being prosumers.[2] So far presence as a concept is in continuous dialogue between our producing body and our environment; dealing with the capacity of staying and being able to inform yourself amongst the context that you inhabit. Due to the existence of many emerging technologies and devices that facilitates a diverse approach towards embodying presence, “just” being here-now is becoming more complex than ever. The compulsive desire and presumption to share information and experiences via social media platforms has become a routine part of daily life. The eye then becomes a filter, a discerner of what is of value. These new behavior affect our capacity to observe, behave, understand and experience. This domestication[3] of social media provides an easy di-attachment towards the physical places we inhabit.
This project began in 2011 and is constantly evolving, re-adapting and re-shaping. So far, the work has had many different formats: dialogue choreography; movement structure; voice structure; cartography exposition; a solo lecture and thesaurus. The aim of the project is to keep investing in formats, ways of sharing the same idea and elicit questions that bring into focus relevant points regarding the process of making, labor, consumption and labelling. Even though this seems a broad aim, it is in fact very specific. The project concentrates on “the information that is already here”; precisely and responsibly focusing and mediating “what is already here” through our gaze to create an engrossment out of what is concrete. The work done opens up the senses by the simplicity of this task. By engagement of both outsider and/or insider, the work stimulates, becomes shareable and a dialogue develops with an inherent potential to expand.
I am curious to deepen my understanding around “value” (For example, the selection of information) and the project will explore, through disseminative platforms, the encouragement of the active and conscious witness of the contexts in which we find ourselves. In performance, the imperative is to inform, deliver, facilitate and generate certain content to an outsider. The theatre space is expected to create fictional realities. I am interested in give existence to the solid spaces we inhabit.
[1] “That we do not discover reality but rather invent it is quite shocking for many people. And the shocking part about it — according to the concept of radical constructivism — is that the only thing we can ever know about the real reality (if it even exists) is what it is not. It is only with the collapse of our constructions of reality that we first discover that the world is not the way we imagine.” Paul Watzlawick, “On the Nonsense of Sense and the Sense of Nonsense,” 1995
[2] Blend of producer and consumer, coined by futurologist Alvin Toffler in his book The Third Wave (1980). Concept based on suggestion by Marshall McLuhan and Barrington Nevitt in their 1972 book Take Today (p. 4) that consumers would take on producer roles in mass customization. (Wiktionary)
[3] “An approach in science and technology studies and media studies that describes the processes by which innovations, especially new technology is ‘tamed’ or appropriated by its users. First, technologies are integrated into everyday life and adapted to daily practices. Secondly, the user and its environment change and adapt accordingly. Thirdly, these adaptations feedback into innovation processes in industry, shaping the next generation of technologies and services. The theory was initially developed to help understand the adoption and use of new media technologies by households. (Wiki)
An itinerary project that faces an approach towards modes of perception and consumption in artistic contexts.
We are interested in presenting the information as a motor of a continuous movement which escapes meaning and that is constantly being re-define. Quim, considers this process a metaphor and a simplification of big part of our process of information, of selection and of archiving which enlighten our absolute “capitalism”, including the consumption of time and the consumption of experience.
APPRAISERS/Thesaurus. Festival INMEDIACIONES. Pamplona, 11/2014.
APPRAISERS/Reverberate. Together with the students of the IWANSON school of Contemporary Dance: Aurora Alicino, Angelic Amoruso, Kristina Bösl, Maria Charalambous, Paula-Nicla Falkenhagen, Alessia Iusco, Vivien Johne, Ana Maria Kovacevic, Jana Kutschma, Andrea Lanz, Johanna Mandl, Myra Mayers, Patricia Melberg, Sarah Neubacher, Adriana Papagni, Julia Schwender, Doris Teichmann, Jennie Thomasson.
APPRAISERS/Recite. Together with Paolo Mariangeli.
APPRAISERS/Retrace Together with Olivia Rivière, Max Wallmeier
APPRAISERS/Nombrar. In residency at CA2M+La Casa Encendida 2017. January 2018. With Ana Macdewont, Ángela Segovia, Uriel Fogué, Laura Ramirez, Paulina Chamorro, Raquel Tomàs y Javi Cruz.
WELD, Stockholm. 05/2017. APPRAISERS/Re-place. With the collaboration of Soren Linding Urup, Paulina Chamorro and the support of Roger Adam, Paz Rojo and Jeanine Durning.
Nyam nyam. Barcelona. Festival Sâlmon. With Iñaki Álvarez, Ariadna Rodríguez and Raquel Tomàs. 11/2016.
Teatro Pradillo. 02/2016. APPRAISERS 4 RAMIFICATIONS:
APPRAISERS/Papel. Together with Raquel Tomàs and Pablo Caracol.
APPRAISERS/Moverlo. Together with Paulina Chamorro, Helena Martos and Søren Linding Urup.
APPRAISERS/ Orden. Together with Aitana Cordero, Raquel Tomàs and Fernando Gandasegui.
APPRAISERS/ Las cosas. Together with Pablo Esbert and Roberto Fratini.
APPRAISERS/Aquesta conversa. Festival Sâlmon. With Raquel Tomàs. Barcelona. 12/2015.
APPRAISERS/Movement. Structure for 4 dancers: Raquel Tomàs, Marina Colomina, Oihana Altube and Quim Bigas. 30 minutes. Festival IN Situ, Barcelona. 12/2014.
APPRAISERS/an introduction on the process of naming. Presentation of 10 minutes of a naming structure. K-3 Hamburg. 11/2014.
APPRAISERS/Thesarus. A piece created with the concepts and the representations of the project. With Raquel Tomàs. 40 minutes. Festival Inmediaciones. 11/2014.
Introduction/APPRAISERS. Presentation of 15 minutes at Festival EscenaPoblenou. With Raquel Tomàs. Barcelona. 10/2014.
APPRAISERS/ Meeting. Presentation based on the outcomes during the Workshop around the topics of the work. Duration: 45 minutes. This workshop was curated as part of the Festival SITIO, Sta Cruz de Tenerife. 10/2014.
APPRAISERS (192.8) A choreographical conversation with Raquel Tomàs
APPRAISERS/ 0.1 A movement structure of 30 minutes for two dancers: Marina Colomina and Quim Bigas. El Graner, Barcelona. 06/2014.
APPRAISERS (792.8). A choreographical conversation of 30 minutes between Quim Bigas and Raquel Tomàs. El Graner, Barcelona. 06/2014.
APPRAISERS/This. A 10 minutes structure based on the outcomes foundt during the residency at Laboratoriscenen, Copenhagen. Hall of DanseHallerne. 10/2013.
Porteatring Experience. An installation of drawings made in collaboration with Simon Asencio, Nicolas Roses, Jeanine Durning and Clara Saito. Room 201 of the Amsterdam School of the Arts. 04/2011.
This project have had the collaboration and contribution of: Simon Asencio, Nicolas Roses, Jeanine Durning, Clara Saito, Asher O’Gorman, Costas Kekis, Carolina Backman, Marina Colomina, Oihana Altube, Raquel Tomàs, Masu Fajardo, Laida Azkona, Natalia Jimènez, Sofia Asencio, Aimar Pérez Gali, Carme Torrent, Roberto Fratini, the attendance at the course in FESTIVAL SITIO, Elena Carmona, Paulina Chamorro, Aitana Cordero, Helena Martos, Søren Linding Urup, Pablo Esbert, Fernando Gandasegui and Pablo Caracol, among others.
APPRAISERS/Re-place. 05/2017. Weld, Stockholm.
ENG/CAST
El proyecto APPRAISERS explora la ramificación de formatos, conceptos y metodologías relacionadas con la información y los datos en tiempo real a través de diferentes estéticas de producción. Para ello, navega con la idea del cuerpo como archivo o canal informativo, como reflejo del consumo y del proceso de etiquetaje. Simultáneamente, es una práctica coreográfica aplicable a muchos campos que está preparada para ser compartida en cualquier momento. A través del desarrollo de habilidades y reglas, APPRAISERS pretende dar visibilidad a lo presente, así como potenciar la idea de que somos “creadores de nuestra propia realidad”.
A partir de la “nueva” era de la información, hemos adquirido la capacidad de ser prosumidores (productores a la vez que consumidores). En cierta medida, el presente es un concepto que está en continuo diálogo entre nuestro cuerpo productor y su contexto; afrontándonos a la capacidad de quedarnos y ser capaces de informarnos dentro del contexto en el que habitamos. Debido a la existencia de muchas tecnologías y dispositivos que facilitan un enfoque distinto hacia la encarnación de la presencia, “sólo” estar “aquí y ahora” es una tarea cada vez más compleja. El deseo compulsivo y la presunción de compartir información y experiencias a través de las plataformas de medios sociales se ha convertido en parte de la rutina de la vida diaria. De forma explícita, el ojo se convierte en un filtro para discernir lo que es de valor. Este nuevo comportamiento afecta nuestra capacidad de observar, de comportarnos, de entendernos y tener experiencias. Esta domesticación social de los medios de comunicación resulta en un desapego hacia los lugares físicos que habitamos y las relaciones que generamos con nuestros cuerpos.
Este proyecto comenzó en 2011 y está en constante evolución, re-adaptación y re-configuración. Hasta ahora, el trabajo ha tenido varios formatos: diálogo coreográfico, estructura de movimiento, estructura de voz, exposición cartográfica, una conferencia en solitario, un disparador para una conversación y un Tesauro. El objetivo del proyecto es mantener la inversión en los formatos, formas de compartir la misma idea y suscitar preguntas que ponen su atención en la toma de decisiones, el trabajo, el consumo y el proceso de clasificación. A pesar de que esto parece un objetivo bastante general, es muy específico. El proyecto se centra de forma precisa en “la información que ya está aquí” utilizando la mirada para crear un engrosamiento de lo que es concreto. El trabajo se abre a los sentidos por la simplicidad de su tarea, se convierte en compartible y en una conversación que se desarrolla con potencial inherente a expandirse.
Ilustración de Pablo Caracol con estructura de Quim Bigas para APPRAISERS.Papel. Teatro Pradillo. 02/2016
Presentaciones y ramificaciones:
DepARTures, Schwere Reiter, Alemania 30+31/03 2019. 3 piezas:
APPRAISERS/Reverberate. Junto las alumnas de IWANSON school of Contemporary Dance: Aurora Alicino, Angelic Amoruso, Kristina Bösl, Maria Charalambous, Paula-Nicla Falkenhagen, Alessia Iusco, Vivien Johne, Ana Maria Kovacevic, Jana Kutschma, Andrea Lanz, Johanna Mandl, Myra Mayers, Patricia Melberg, Sarah Neubacher, Adriana Papagni, Julia Schwender, Doris Teichmann, Jennie Thomasson.
APPRAISERS/Recite. Junto Paolo Mariangeli.
APPRAISERS/Retrace. Junto Olivia Rivière, Max Wallmeier
APPRAISERS/Nombrar. Proyecto en residencia en CA2M+La Casa Encendida. 2017. Enero 2018.
WELD, Estocolmo. 05/2017. APPRAISERS/Re-place. Con al colaboración de Soren Linding Urup, Paulina Chamorro i el soporte de Roger Adam, Paz Rojo and Jeanine Durning.
Nyam nyam. Barcelona. Festival Sâlmon. Con Iñaki Álvarez, Ariadna Rodríguez y Raquel Tomàs. 11/2016.
Porteatring Experience. Una instalación de cartografías/dibujos con la participación de: Simon Asencio, Nicolas Roses, Jeanine Durning and Clara Saito. Amsterdam School of the Arts. 04/2011.
Hasta la fecha, el proyecto ha contado con la colaboración y contribución de: Simon Asencio, Nicolas Roses, Jeanine Durning, Clara Saito, Asher O’Gorman, Costas Kekis, Carolina Backman, Marina Colomina, Oihana Altube, Raquel Tomàs, Masu Fajardo, Laida Azkona, Natalia Jimènez, Sofia Asencio, Aimar Pérez Gali, Carme Torrent, Roberto Fratini, el grupo asistente en el FESTIVAL SITIO, Elena Carmona, Paulina Chamorro, Aitana Cordero, Helena Martos, Søren Linding Urup, Pablo Esbert, Fernando Gandasegui y Pablo Caracol, entre otres.
A PROJECT BY QUIM BIGAS. Ongoing. First version: Terrats en Cultura- Coincidències, 07/2017
**‘The list’ is a contextual and scenic work where a list of small and great
things are recited.
**‘La llista’ és un treball contextual i escènic on es recita una llista de petites i grans coses.
**‘La lista’ es un trabajo contextual y escénico donde se recita una lista de pequeñas y grandes cosas.
Id + perf: Quim Bigas.
Suport drama: Raquel Tomàs.
Prod: Anna Bohigas.
+ many people and things
TX Dancehouse Leftkosia ,Ajuntament de Malgrat de Mar.
Support: Fira Tàrrega, suport a la creació 2019.
Terrats en cultura (Barcelona) // Festival Sismògraf (Olot) // Terni Festival (Terni)// Festival Arrela’t (Malgrat de Mar) / Fira Tàrrega (Tàrrega) // La Casa Encendida (Madrid) /
pics: Martí Albesa, Guillem Pachecho, Rosor Rosor, Sara Navarro/La Casa Encendida, Núria Boleda, Luna Cesari.
ENG/CAT/CAST
‘The list’ is a contextual and scenic work where a list of small and great
things are recited. A list as a method to generate a small common
ground full of possibilities.
In this context, the body triggers a list of possibilities that are related
to how we share and how we identify ourselves and give value to
our surroundings. That way, the list is a hook to find ourselves within
an individual universe but in common with one that makes affection
possible, the sensitive fact, the ability to touch us and to be in close
attention collectively.
‘The list’ is an accumulative recital in time. During this proposal, we
will share an enumeration of words and movements in order to promote
a divergence of connections and meanings that sway in various
spheres and perspectives that refer to our personal and social space.
“The list” is a place with the potential of the encounter and everything
that it implies, which is the unexpected, the present, the individualities,
the community … *
ENG/CAT/ESP/
‘La llista’ és un treball contextual i escènic on es recita una llista de petites i grans coses. Una llista com a manera de generar un petit terreny comú ple de potències. En aquest context, el cos desencadena una llista de possibilitats que es relacionen amb com compartim i com ens identifiquem i donem valor al nostre voltant. D’aquesta manera, la llista és una forma de trobar-nos dins d’un univers individual però en comú, un comú que possibilita l’afecte, el fet sensible, la capacitat de tocar-nos i d’estar en una atenció col·lectiva. “La llista” és un recital acumulatiu en el temps. Durant aquesta proposta, compartirem una enumeració de paraules i moviments per tal de potenciar una divergència de connexions i significats que basculen en diverses esferes i perspectives que remeten a l’espai personal i a l’espai social. D’aquesta manera, “La llista” és un lloc amb el potencial de la trobada i tot el que això implica, que és l’imprevist, el present, les individualitats, la comunitat…
ENG/CAT/ESP
‘La lista’ es un trabajo contextual y escénico donde se recita una lista de pequeñas y grandes cosas. Una lista como manera de generar un pequeño terreno común lleno de potencias. En este contexto, el cuerpo desencadena una lista de posibilidades que se relacionan con como compartimos y como nos identificamos y damos valor a los que nos rodea. Así, la lista es una manera de encontrarnos dentro de un universo individual pero en común, un común que hace posible el afecto, lo sensible, la capacidad de tocarnos y de estar en una atención colectiva constante. ‘La lista’ es un recital acumulativo en el tiempo. Durante esta propuesta, compartiremos una enumeración de palabras y movimientos para potenciar una divergencia de conexiones y significados que se mueven por diferentes esferas y perspectiva, que remiten al espacio personal y al espacio social. De ahí que la ‘Lista’ sea un lugar con el potencial del encuentro y todo lo que esto implica, que es lo imprevisto, el presente, las individualidades, la comunidad…
WOWOWOW is a collaboration between the dancers’ collective Fanclub and choreographer Quim Bigas (ES), an investigation within and around collectivity, in close relation between performers and audience.
collective > togetherness > commoning > network > autonomy > co-presence > composition > company > work > world > words > grouping > sharing > utopia > layering > pluralism > collaboration > inter-connectedness > placement >
Production: Fanclub Choreography: Quim Bigas Dance: Andrea Deres, Carolina Bäckman, Sofia Karlsson, Ellesiv V. Selseng & Quim Bigas Technical consultant: Filip Vilhelmsson Graphic design: Studio Jacob Grønbech Jensen Production assistant: Gry Raaby Support: Danish Arts Foundation, City of Copenhagen, Dansehallerne Residency: Dansstationen, L’animal de l’esquena Performance photos: Emilie Gregersen Trailer: Søren Meisner
ENG/CAST
WOWOWOW is a collaboration between the dancers’ collective Fanclub and choreographer Quim Bigas (ES), an investigation within and around collectivity, in close relation between performers and audience.
WOWOWOW is space for reflection upon (the) collective. A place where a set of images appears and disappears. A collection of actions and ephemeral statements. A radical mode of being in a structure through the lenses of being present and in relation, always. You. We. Us.
WOWOWOW suggests a visualization of “our” movement as a mode to unfold an assemblage, an ecology of things, in which certain aspects of the self comes at stake as a mode to trigger different layers of relations that takes place in the moments we talk about “us”. A big, yet tiny – us.
Fanclub(DK/SE/NO) is a dancers’ collective who invite artists they find fascinating into different collaborations. In 2010 Andrea Deres, Carolina Bäckman, Ellesiv V. Selseng and Sofia Karlsson got together with a wish to challenge the working formats within the Danish dance arts. Today they see themselves as a collective in ongoing development, initiating collaborations with people from various genres with a desire to explore structures around and within the art form, as well as their role as dancers and self-producing artists. Their work range from bigger and smaller stage productions, video art, events, concerts, sharing structures and writing rituals.
ENG/CAST
WOWOWOW es una colaboración entre el colectivo de bailarinas FANCLUB y el coreógrafo Quim Bigas, una investigación dentro y alrededor de la colectividad, en estrecha relación entre los artistas y el público.
WOWOWOW es un espacio para la reflexión sobre (el) colectivo. Un lugar donde aparece y desaparece un conjunto de imágenes. Una colección de acciones y declaraciones efímeras. Un modo radical de estar en una estructura a través de las lentes de estar presente y en relación, siempre. Tú. Nosotros.
WOWOWOW sugiere una visualización de “nuestro” movimiento como un modo de desplegar un ensamblaje, una ecología de las cosas, en la que ciertos aspectos del yo están en juego como un modo de desencadenar diferentes capas de relaciones que tienen lugar en los momentos de los que hablamos “nosotros”. Un grande, pero pequeño, nosotros.
Fanclub (DK / SE / NO) es un colectivo de bailarinas que invita a artistas que encuentran fascinantes a diferentes colaboraciones. En 2010, Andrea Deres, Carolina Bäckman, Ellesiv V. Selseng y Sofia Karlsson se reunieron con el deseo de desafiar los formatos de trabajo dentro de las artes de la danza danesa. Hoy se ven a sí mismas como un colectivo en continuo desarrollo, iniciando colaboraciones con personas de varios géneros con el deseo de explorar estructuras alrededor y dentro de la forma de arte, así como su papel como bailarinas y artistas con su propia estructura de producción. Su trabajo abarca desde producciones teatrales más grandes y más pequeñas, videoarte, eventos, conciertos, estructuras para compartir y rituales de escritura.
…un soroll, un fer, un mastegar, un estar, un capficar-s’hi…
Aquesta proposta buscar la sinergia entre l’edició de vídeo, el moviment i el material discursiu o textual a través de la mirada coreogràfica de Quim Bigas.
Al llarg de quatre episodis repartits entre quatre municipis, {RUMIAR} cercar la trobada entre artesanies i formes de fer, entre discursos i accions, entre -post i -pre. Simultàniament, és també un treball en xarxa entre espais i maneres de contextualitzar i apropar-se a diferents estrats d’allò que en podríem dir públic.
El punt de partida i objectiu d’aquesta sèrie és la de generar espais reflexius i especulatius per a la mirada i pel cos. Espais que parteixen de l’articular-nos, del deixar fer… tot obrint i defensant creuaments, sensibilitats i formes de fer. {RUMIAR} neix de la necessitat de trobar espais de col·laboració i complicitat entre espais i persones així com donar cos i presència a l’edició de vídeos i les possibilitats de l’edició. Editar moments i transportar-los, extreure circumstàncies perquè es converteixin en circumstància d’una altra cosa, tallar i acumular per a evocar, o crear, un lloc.
Lloret – {RUMIAR} Respirar la llar. 11/06
Olot – {RUMIAR} Quedar-se a prop. 18/06
Mataró – {RUMIAR} Balancejar l’aquí. 25/06
Terrassa – {RUMIAR} Implicar el món. 02/07
El conjunt dels vídeos aportar una constel·lació de visions, de moviments i de perspectives així com un ventall de creuaments.
{RUMIAR} és un projecte proposat per Quim Bigas i Anna Bohigas amb la col·laboració i complicitat del Teatre Principal d’Olot, Teatre Lloret Costa Brava, Teatre Monumental de Mataró i CAET de Terrassa.
Since the beginning of april I have been talking with Elisabete Paiva and Sofia Matos from the festival “Materiais Diversos“. We’ve had, and we are still having, many great conversations that are enriching and inspiring.
At some point, they’ve asked me to send some text to them and, during that period, I was a bit bored and not motivated to write staring at a screen… Felt I need it, and I still do, get in touch with things and still feel that my touch is involved in certain thingies. At the time I was talking to them, I was also pretty much into being on the void of collaging and the whole displacement of images and imaginations.
Finally, I’ve decided to handwrite the text and to send it via post.
The whole handwriting thing was very engaging. First, I wrote several drafts, then I pretended to pass some of the text into the final version… then, need it to get rid of some stuff or find out of a big mistake and need to start again the page… My body was caring for my words and trying to make them readable. My wrist was tired at times and my neck was, as I say in the text, holding some tension…. During the process, I thought about some images, out of context, little cuts which also increase the holder’s experience. In order to read the text, you need it to move the images…
It was a great process of understanding the process of my body within this context as well as projecting myself into a future. The letter arrived a month later and they have transcribed and translated (available in Portugueses and “my” English) the content.
Materiais Diversos put the letter in their site and I am happy to leave the link here so you can read it or take a look at it.
I also encourage you to follow up “O tempo das cerezas” as the other contributions are full of value and reflective input.
Dancing Museums is an action-research project designed to foster and sustain long-term collaborations between dance organisations, museums, universities and local communities in order to develop inspiring and long-lasting arts and cultural programmes that people in those communities want to get involved in.
The weeklong residency of Quim Bigas at the foundation will be inspired by Joan Miró’s triptych Painting on White Background for the Cell of a Recluse (I, II, III). Observation of the lines in the work makes it possible to perceive the connected strokes made by the artist’s hand.
Quim Bigas will work on a continuous line extending from one end of the building to the other, all the while listening to the rhythm of his own beating heart, as well as those of visitors or the people who want to join in.
This action explores constant movement and the limits of the building. It also puts into practice and brings into the light a dynamic present in Miró’s painting.
The action is also seeing as an study case for the whole organization in order to discuss forms and modes of transcreation within the institution and the different departments.
Artist in residency: Quim Bigas
Video: Guillem Pachecho
Spanish partners: Fundació Joan Miró – Barcelona // Mercat de les Flors.
**Perfomative conference around the project DV which focuses on the experience inside the archives of La Porta and Mercat de les Flors. Both resources stop their activity on 2012. This conference was in Spanish.
**Conferencia performativa alrededor del proyecto DV centrada en la experiencia dentro de los archivos/registros de La Porta y El Mercat de les Flors, los cuales pararon su actividad documental en el mismo año: 2012.
** Conferència performativa al voltant del projecte DV centrada en l’experiència dintre dels arxius/registres de La Porta i El Mercat de les Flors, els cuals varen parar la seva activitat documental el mateix any: 2012.
Proyecto de investigación de Quim Bigas Bassart con la ayuda de Raquel Tomàs Codorniu, la edición gráfica de Roger Adam, la producción de Anna Bohigas y la colaboración del Mercat de les Flors, La Poderosa y La Porta.
Con el apoyo de la Generalitat de Cataluña, Departamento de Cultura.
Esta pieza de presenta dentro del ciclo Hacer Historia(s) vol. III de La Poderosa
Quim Bigas ha estado en relación con los “archivos” del Mercat de les Flors y de La Porta, que cesó su actividad en 2012. Desde entonces hasta el dÍa de hoy, estos archivos han estado, prácticamente, en reposo. En el momento en que un cuerpo entra en contacto con un archivo, diferentes temáticas y visiones se despliegan aportando disparadores hacia una reflexión sobre los mismos registros y las políticas que lo rodean. La misma acumulación de documentos de estos contextos, abre los modos de creación escénica así como las diferentes temporalidades que desprenden entre ellas.
ESP/ENG/CAT
Quim Bigas has been in relation to the “archives” of the Mercat de les Flors and La Porta, which ceased its activity in 2012. Since then until today, these archives have been practically at rest. The moment a body comes into contact with an archive, different themes and visions are displayed, providing triggers for a reflection on the same records and the surrounding policies. The same accumulation of documents of these contexts, opens the modes of scenic creation as well as the different temporalities that arise between them.
ESP/ENG/CAT
Quim Bigas ha estat en relació amb els “arxius” de al Mercat de les Flors i de La Porta, que va cessar la seva activitat el 2012. Des de llavors fins al dia d’avui, aquests arxius han estat, pràcticament, en repòs. En el moment en què un cos entra en contacte amb un arxiu, diferents temàtiques i visions es despleguen aportant disparadors cap a una reflexió sobre els mateixos registres i les polítiques que l’envolten. La mateixa acumulació de documents d’aquests contextos, obre les maneres de creació escènica així com les diferents temporalitats que desprenen entre elles.
Texto de Quim Bigaspara la sección `Hola, soy coreógrafo/a´. Idea y coordinación: Mercedes L. Caballero.
Hola, soy coreógrafo, ya que pongo gran parte de mi atención profesional en la coreografía.
La coreografía la percibo como el movimiento hacia la creación de un lugar, a partir de una tesis de orden, en el que las gráficas del cuerpo y el espacio desencadenan ciertos pensamientos y entornos. Paralela e independientemente a la coreografía, la danza podría ser vista como una herramienta para relacionarse y moverse con los diferentes cuerpos que se despliegan en el contexto en el que uno se encuentra. La danza como herramienta para estar en movimiento y continuamente afectada.
Creo en la observación y la especulación como bases para abrir las fronteras de aquello que estoy haciendo. La coreografía me permite seguir preguntándome por los afectos desde una perspectiva del movimiento que no es meramente el de las personas. La coreografía puede ser una posibilidad a que algo pase. Te la encuentras, y aunque algunes se la quieran apropiar, surge de la situación. Como mirar unos vencejos volar en el momento concreto o como la suspensión de un brazo antes de que se escuchen las tuberías. La coreografía se enfoca en la elaboración de un marco que pueda permitir una aproximación sensible hacia el movimiento.
La danza aparece como una herramienta que abre y me proyecta en el lugar, como un ente somático que crea movimientos varios. Un movimiento de brazo puede generar un movimiento nervioso en una espectadora a la vez que ser un mediador para poder apuntar a un trozo de celo que cuelga del techo. Tiendo a pensar en los danzantes como disparadores del espacio. Su subjetividad nutre el encuentro entre todas. Me siento comprometida a ofrecer contextos donde los intérpretes estén en relación a un marco estético y conceptual que les formule preguntas en presente durante y a través de su hacer. Por otro lado, la danza, entendida como ese movimiento afectivo multidireccional, también es de esos actuantes que operan en el contexto (como las luces, los sonidos, la temperatura, las palabras, entre otras muchas cosas) y que forman parte de la gran mayoría de espacios que compartimos.
Alrededor de los trabajos y prácticas con las que me he relacionado en los últimos once años, como ya he ido mencionando en estas líneas, existe una curiosidad a cómo abrir sensibilidades a la idea de lugar, así como a sus constituyentes. Un lugar que surge de la propia reformulación de lo que ya sabemos, de lo que vemos y percibimos y cómo eso se pone, de forma tácita o explícita, en nuestros cuerpos.
La línea entre datos-información-conocimiento-creencia ha sido una premisa desde dónde trabajar, que me ha permitido encontrar un sitio de relación y continuidad a partir de las construcciones de lo real. Entendiendo lo real como también lo irreal, lo invisible, lo intangible o lo obvio. Lo real como aquello que pasa por debajo de todo lo que está ocurriendo. Lo real como aquello a lo que debemos seguir haciendo preguntas y reformulándolas. Lo real como aquello que nos mueve; que nos baila.
Propuesta de re-abrir el archivo de La Porta y generar varias prácticas alrededor de sus latencias. El ejercicio girará alrededor del encuentro entre diferentes visiones que vienen de la archivística, el realismo especulativo, los lenguajes documentales o la edición gráfica todo a través del filtro del lenguaje coreográfico. El encuentro tendrá lugar entre personas que han estado vinculadas con La Porta y La Poderosa y artistas de varias disciplinas. En este caso, el material del archivo se convierte en disparador de lugares (situaciones) para compartir, y también crea nuevos territorios que se sobreponen a aquello que sigue pasando.
Se trata de abrir la posibilidad de reflexionar sobre las maneras de organización de este archivo y sumergirse en una práctica donde el orden y el sentido de la disponibilidad nos ofrecerá la posibilidad de intervención alrededor del ciclo.
El taller contribuyó al contendio de la conferencia performativa “Desplega Visions”
Cuando el usuario del archivo ha estado en él, o en una de sus vertientes, se transforma en una parte del archivo. Una extensión del archivo de las múltiples que podría tener. El sujeto que ha estado en el archivo y se ha relacionado con sus materiales, transporta y desplaza su experiencia tácita o explicita a otros contextos. En el momento que entras en un archivo, te vuelves parte de él. Los archivos se archivan a sí mismos y se multiplican entre las latencias de los sujetos que lo habitan y que lo visitan.
El orden es un prisma des de dónde generar un lugar que puede tener sentido. El sentido quiere estar en muchas partes. Pero me pregunto por un sentido que afila los sentidos como disparador de ciertas reflexiones de cada uno. El orden, nos relaciona con la posibilidad de otro orden, como de otras presencias o como de otros relatos. El orden es un lugar des de donde buscarse en otros lugares. No hay lugar absoluto que puedo cobijar las formas de ver el mundo de todas.
En un teatro, aparece el orden como un generador de sentido. El sentido se esconde en múltiples lugares y no hay sinonimia entre significado y sentido; tampoco hay sinonimia entre formato y contenido. Cabe la posibilidad de que lo que formas y lo que contienes vayan a la par. También cabe la posibilidad que la forma abra un contenido a través de las grietas del dispositivo que generamos.
El dispositivo está en múltiples relaciones dentro del evento: el archivo, las butacas, el papel, el teatro, la tinta, el cd, la televisión, la pantalla, las luces, el programa de mano… Elementos que son del evento y que funcionan como actuantes de aquello que estamos viendo. Elementos que, des del análisis del archivo, hay que proceder a entender lo qué hacen. No se puede separar la percepción de un fragmento del archivo sin el soporte con el que se ha visualizado, no se puede separar el movimiento del ejecutante y no se puede ver teatro en un teatro sin pensar en política. Simplemente, no se puede.
No se puede, tampoco, hablar del archivo des de lo legitimo sino como una posibilidad desde dónde ver, también, lo que no está. Entre aquello que vemos y lo que percibimos está aquello que aún no ha llegado. Y en ese lugar nos metemos. En un lugar, un ámbito, que se abre y se despliega a través de una serie de desplazamientos que siguen desplazando aquello que ya se ha movido. Seguir desplazando como forma de seguir dando continuidad. Una continuidad que es sensible. Que quiere escuchar, empatizar, relacionarse a través de lo que hace, lo que nos ocurre. Que se quiere dejar ver.
¿Qué hace esto? ¿Qué esta haciendo ahora? ¿Y ahora? ¿Y ahora? El hacerse es algo que acompañar. Hacer como punto des de dónde tirar ciertas cosas al vacío sin oír donde caen. Lanzar, disparar, soltar… Presenciar. Bailar.
La impronta de los materiales del archivo en el cuerpo de los intérpretes. El giro de orientación al afecto de lo hecho. La inscripción interiorizada del trazo en acción. Escrito sobre el movimiento que nos ocupa. Y, probablemente, no hay cita posible con el cuerpo ya que solo nos queda la posibilidad de invocar, de rescatar, algo de ello. De referenciar hacía alguna dirección que ya no está aquí pero que, de alguna forma, nos sigue constituyendo; la intensidad llevada a la cualidad de agencia. Con posibilidad de tener voz y de generar movimiento. De todos modos, probablemente, los cuerpos de este proyecto se encuentran entre la cita y la referencia; entre el impulso literal y el relato relacional. Entre espacios posibles de ser aquello o de señalarlo. De ser danza o de apuntar hacía a ella, de ser mensaje o medio. Como un documento que quiere ser obra y registro.
Y que entren los otros números más allá del dos. Abrir. Abrirse al vacío de lo conocido como lugar desde donde ir para discurrir a otro lugar.
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Entrar en un archivo podría ser una forma de parar la producción del mundo para vernos y practicarnos a través de lo que hemos hecho. De todas formas, también puede ser justo lo contrario: la sobre-producción y la optimización de lo ya hecho.
Gràcies Ana, Carme, Jorge, Soren, Silvia i Aina per la conversa.
Posseït la imatge. Recognition VS Percetion. (John Dewey p. 54)
Perception. We move through things.
Have the cap in your hand like if you were in church
Passive guard
Patterns on the floor. Is that a secret code?
One person staring at one painting. The person realizes there is no phone in his hands and takes it from the pocket and takes some pictures.
The back part of the painting.
Intimate. Public.
In there place for intimacy in the museum?
We know that to see and old lady or a kid in front of a painting is not the same.
The guides.
One of them is doing her test for the driving license.
Rules all over.
Seeing or posing.
Looking at the painting…. posing for the picture like…
Police. Sigan pasando.
The guard yawns
The door to the terrace today is closed. Many people had try to open the door.
I’ve had a little trio dance with two visitors while watching PAISATGE EN LA NIT
The dance; gestures towards the painting.
Les dues guardies i la seva atenció amb el mòbil destorben la meva sensació de moviment.
Mirò vol assassinar la pintura.
Hi ha una TV que permet a la guàrdia vigilar el tapís per darrere a la vista de tots els visitants.
A la sala 13 només hi ha una cadira, la del guàrdia.
Com funcionar espai 13?
Hay parejas que pasean agarradas de la mano por toooodo el museo.
Un es pot quedar dormint al museu?
Perform for the surveillance cameras.
Com podem transmetre o compartir l’espai que generen els museus?
Drawing at col.leccio homenatge.
Another day
Per fora
Els nens criden al pati i el sol enlluernar i escalfar. Una noia, esta estirada a la gespa mentre es prepara un rap. Les escultures es fonen amb els arbres per un espai que s’acull entre la naturalesa i l’ARTificialitat de la creació humana. A gran trets, projectem més la natura que, de fet, la gaudim. No hi ha arbre que no hagi estat posat a aquí per una má. Els ocells estan afonics peró no perden les ganes de comunicar-se. Blau del llamp. Ls periféries del edifici de la Fundació Miró eren una finestra al món. Ara semblen també ser la consagració d’un estatus. Que`és un museu des de fora? I com, des del museu, veiem lo exterior? Tot i que podem dir que tot es una projecció d’alguna cosa, la possibilitat d’habitar Montjuïc és diferent que la opció de fer-ho al museu. Que entri un ocell al museu i que ens deleiti amb el moviment de les seves ales mentre buscar desesperadament la forma de com sortir de la gàbia on ha estat ficat. El museu està enmurallat, barrat i es mostra alié a les entrades al món. Tanmateix, el museu ja és una laténcia del món. Tanmateix, el museu també mostra les seves fronteres físiques i el seu lloc imperial tot i que és vulgui dissimular entre la natura.
Many days
Dancing Museums (2018-2021) is an EU project made in collaboration between several museums, dancehouses, universities and artists. More info: https://www.dancingmuseums.com/
